Entrevistamos a Enrique González, experto en la técnica del Grabado

Enrique González se inicia en el mundo del arte de forma autodidacta. Desde su infancia tuvo una enorme atracción por la pintura y el grabado. Con apenas doce años visitaba con frecuencia todos los museos de Madrid. En los años ochenta ingresa en una escuela privada de pintura, donde su director se convierte en lo que se puede considerar como un maestro. Además de la pintura, esta persona le inicia en el mundo del grabado, que más adelante tendrá una gran importancia para él, y le ayuda a encauzar el caudal creativo que posee, dando orden a sus ideas para ayudarle a construir un proyecto de vida como artista. En esta misma década accede como alumno a la galería-taller Brita Prinz Arte, sala pionera en España, ubicada en Madrid, donde comparten espacio un taller de grabado y una galería de arte. Permanece en en esta galería durante cinco años, recibiendo clases de grabado y litografía. Este espacio desarrollaba en sus instalaciones exposiciones de artistas, tanto noveles como consagrados dedicados a la obra gráfica. A través de este cauce accede a conocer a artistas consagrados que desarrollan su obra a través del grabado, tanto en el territorio nacional como en el internacional, transmitiéndole sus experiencias y conocimientos. A partir de este momento el grabado se convierte, por un largo período de tiempo, en uno de los medios principales para expresarse. 

Gracias a una habilidad innata para las técnicas gráficas, comienza a impartir clases de técnicas gráficas en la Casa de Cultura de San Lorenzo del Escorial, donde se trasladó a vivir en 1992 y permanece durante más de dos décadas. Motivado por una necesidad incesante de conocimientos, en el año 2006 inicia el proyecto de editar la revista Grabado y Edición, dedicada a la difusión del grabado y ediciones de arte dentro y fuera de España. Con motivo de dar la mayor difusión posible a esta publicación, y recopilar información en exclusiva sobre todo tipo de creadores, recorre el mundo participando en ferias de arte internacionales. En ellas realiza contactos para entrevistar tanto a representantes de instituciones y museos dedicados a la gráfica, como a artistas de prestigio internacional como: Paula Rego, Gao Xingjian, Jannis Kounellis, Francisco Toledo, Pat Andrea, Liliana Porter, Kara Walker o Georg Baselitz, entre otros muchos. Después de siete años dedicado a esta labor, decide parar y centrarse en su carrera artística. Poco tiempo después, la fundación Ankaria, dedicada a la difusión del arte, adquiere la revista y nuestro protagonista continúa con su camino como pintor. Afortunadamente la revista Grabado y Edición continúa hoy en día siendo editada por esta acreditada Fundación.

Desde hace ocho años compagina su carrera como artista, con la coordinación de proyectos editoriales de la galería Taller del Prado de Madrid. Desarrolla una tarea principalmente técnica, donde da forma a proyectos de artistas como Rafael Canogar, Luis Feito, Eduardo Arroyo, José Manuel Broto, Enrique Brinkmann, Alberto Corazón, Ouka Leele o Antonio López, entre otros muchos.

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¿Cuál es actualmente tu “misión” como grabador en el Taller del Prado?

La labor que realizo es la dirección y coordinación de los proyectos editoriales que se desarrollan en el taller de estampación. Concretamente mi trabajo consiste en analizar el boceto que el artista trae como referencia, y comentar los pros y los contras que podemos encontrarnos a nivel técnico a lo largo del proceso. Cuando llegamos a un punto en común, comenzamos a crear las distintas planchas, y a continuación estampamos una prueba y vemos el resultado, generalmente esta primera prueba no es definitiva, y necesitamos ir perfilando y modificando algún color, o añadiendo alguna planchas más o sustituyendo otras. Este proceso en ocasiones es largo y requiere la supervisión del artista. 

Al finalizar este proceso de pruebas, determinamos un B.A.T., (en francés bon a tirer) nomenclatura francesa para nombrar a la prueba que el artista da como lista para editar. Cuando el artista da su aprobación, comenzamos a realizar la tirada.

Otra de las funciones que desarrollo en en Taller del Prado es la dirección y coordinación de la revista Enigma, esta publicación es posiblemente la única que se realiza en nuestro país. Se trata de una revista, de tirada limitada, protagonizada por un sólo artista, donde se incluyen textos, fotografías y lo más importante, litografías originales de ese autor. Esta revista mantiene su formato en todos los números que publicamos, pero cada artista puede crear el proyecto que desee sin ninguna limitación, salvo el detalle de la medida al que me refería anteriormente. Gracias a este proyecto muchos amantes del arte tienen acceso a material inédito de autores como Fernando Bellver, Luis Feito, Joaquin Capa, Rafael Canogar, Enrique Brinkmann, Alberto Corazón o Ouka Leele.

Enigma sigue la estela de dos publicaciones que ya trataron de acercar la gráfica al público generalista: Verve, que publicó la editorial Teriade, entro los años cuarenta y cincuenta, y Derriere le miroir, cuya producción corría a cargo de la prestigiosa galería Maegth de París. En estas revistas participaron creadores de la talla de Joan Miró, Alexander Calder, Marc Chagall o Antoni Tapies.

El próximo proyecto para Enigma es un número muy especial, al que tengo un especial cariño, y que estará dedicado a la artista María Moreno. Para su realización estoy desarrollando el proyecto en estrecha colaboración con Antonio López y su hija María.

¿En qué consiste la disciplina de grabado? ¿Qué técnicas se pueden utilizar para conseguir un mejor resultado?

Hoy en día las técnicas de grabado han evolucionado cuantiosamente, la irrupción de la informática en el mundo del arte es abrumadora, y la utilización de procedimientos fotosensibles en los distintos procesos técnicos han ampliado enormemente el horizonte del grabado. Hoy en día podríamos decir que se puede hacer cualquier cosa que un artista desee. Por supuesto cada técnica por separado tiene sus límites, y a veces es necesaria la intervención de distintas técnicas en una misma obra, para llegar al objetivo deseado. Por ejemplo la mezcla de fotopolímero y punta seca, o impresión digital y serigrafía, es habitual y da como resultado obras muy interesantes. 

Seria muy difícil decir cuál es la mejor técnica, sobre todo porque no hay una mejor que otra, realmente depende del trabajo que proponga el artista, y la forma de expresarse de este creador, cada técnica tiene sus peculiaridades y se adapta mejor o peor a la personalidad y la forma de expresarse de un artista. Si ponemos un ejemplo, la obra gráfica de Georg Baselitz es muy similar a su trabajo pictórico, es un expresionismo rotundo, muy esquemático y sin apenas matices, para este tipo de trabajo la técnica de la xilografía es ideal. Sin embargo la obra desarrollada por Lucian Freud es todo lo contrario, contiene una gran riqueza de matices y volúmenes, para este tipo de trabajo, el aguafuerte es ideal, además la union de este artista británico, con un gran maestro del grabado, como era el caso, han dado como resultado las magnificas obras que todos conocemos. 

Un grabado puede conseguirse a través de diferente técnicas. Para ti ¿cuál es la más completa y de mayor calidad? ¿Y la que más problemas puede llegar a dar y por qué?

Respecto a esta cuestión puedo decir que un artista puede desarrollar hasta extremos inimaginables una técnica en concreto, y sin embargo, para otro sería impensable poder trazar una sola línea. Si hablamos por ejemplo de Durero, pocas personas imaginan que muchas de las obras creadas por él, con la técnica de la xilografía, parece que fueran dibujadas con una pluma, cuando en realidad lo que están viendo es el relieve de una madera de boj tallado a unos extremos de detalle que nos resulta imposible pensar que lo que ha hecho es quitar la parte blanca del dibujo para dejar en relieve solo las partes que son líneas. Animo a las personas que están leyendo esta entrevista a buscar las obra xilografía del autor alemán, y observar detenidamente las imágenes que creó. 

Otro ejemplo sería Rembrandt, que sería de su obra si no la hubiera desarrollado con la técnica del aguafuerte, o Goya con el aguantinta, del que fue prácticamente su inventor. Vuelvo a insistir, es imposible describir las técnicas en esta breve entrevista, pero sería interesante que quien la esté leyendo busque estos nombres, y vea la increíble capacidad de expresión que llegaron a alcanzar estos autores.

Respecto a la última cuestión, puedo decir que cada técnica gráfica tiene sus problemas. Todas las técnicas de grabado son difíciles de ejecutar si no cumples con una serie de normas o pasos básicos. Yo he desarrollado una labor docente en este campo durante dieciséis años y puedo afirmar que si no tienes la paciencia y la determinación de ir avanzando paso a paso en la elaboración de una plancha, sea cual sea la técnica, puede llegar a ser desesperante, tedioso y podemos llegar a aborrecer esta maravillosa forma de expresión. De otra forma puede ser una manera de encontrar nuevas posibilidades para el desarrollo de la obra de un artista y aportar una serie de cualidades su trabajo, que de otra manera no podría llegar a conseguir.

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¿Qué beneficios/posibilidades tiene el grabado respecto a otras disciplinas?

El grabado nació como una forma de reproducir obras de artistas reconocidos, el llamado grabado de reproducción, más tarde y de la mano de grandes artistas se convirtió en una forma más de expresión, como la pintura, la escultura o la fotografía.

La obra gráfica es actualmente un modo ideal para desarrollar la obra de un artista, por otro lado es la mejor forma de dar una mayor difusión a su obra. Hay que pensar que una obra original de un artista, como por ejemplo Jaume Plensa o Antonio López, puede alcanzar cifras importantes, sin embargo un grabado de estos artistas es fácilmente accesible para un mayor público. Esto es beneficioso en primer lugar para los artistas, que dan a conocer su obra a un abanico enorme de coleccionistas, a las galerías que lo comercializan porque dan acceso a adquirir obras de calidad a personas con presupuestos muy ajustados, y a los coleccionistas porque pueden poseer obras de artistas muy relevantes, que de otra manera les sería imposible. Hay que tener en cuenta que adquirir una obra gráfica original de  gran calidad de un artista con una trayectoria mas corta de los mencionados, puede estar a disposición de un aficionado por un precio similar al del coste de llenar el deposito de nuestro vehículo. Esto es un detalle que nos debe hacer reflexionar a la hora de comenzar una colección particular de arte.

¿Qué artistas destacarías en esta técnica? ¿a cuáles calificarías como los mejores grabadores?

Si hablamos de artistas contemporáneos, pienso que los más representativos, por sus aportaciones a la gráfica podrían ser Pablo Picasso, Otto Dix, Joan Miró, Jasper Johnes, Antoni Tápies o Rufino Tamayo, y que estén en activo hoy en día, podríamos destacar el trabajo de Francesco Clemente, David Hockney, Kiki Smith o Richard Serra. Considero que estos artistas, entre otros, han hecho avanzar técnicamente las distintas técnicas del grabado. Lo relevante es que supieron utilizar el grabado como un lenguaje propio para expresarse, y no lo utilizan como una mera reproducción de su obra. A nivel histórico, los creadores que han aportado mas a este apartado del arte, podrían ser Durero, Goya, Holbein, Daumier y por supuesto Rembrand.

Si un artista que no domina esta técnica quisiera iniciarse en ella, ¿Cómo podría hacerlo? ¿Qué le recomendarías?

Yo le recomendaría asistir a un taller de prestigio que le sepa aconsejar y guiar en este camino. Creo que es importante, si no quiere dedicar varios años de su vida a obtener los conocimientos necesarios para realizar una técnica concreta, que se deje aconsejar por un profesional en este campo, y deje que el técnico haga su trabajo. Esta unión siempre da buenos resultados y es muy fructífera para un creador. Por ejemplo, gracias a la unión del magnifico taller dirigido por Joan Barbará en Barcelona con Joan Miró, surgieron trabajos únicos y espectaculares, donde el artista puso su creatividad, y el taller de grabado aportó sus conocimientos técnicos. Esta colaboración, si es fluida, da alas a la imaginación del artista y éste puede llegar a conseguir aquello que se proponga. Picasso lo hizo con Mourlot en la litografía, Lacourriere en el campo  del grabado, y Josep Llorens i Artigas lo hizo con la cerámica. Hoy en día grandes artistas están unidos a importantes talleres de gráfica como Ed Ruscha con Mixografía de los Ángeles, Richard Serra con Gemini G.E.L o Pace Print con Chuck Close o Francesco Clemente. 

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