Entrevista a Magdalena Morey

Magdalena Morey:

P- ¿Cuándo comenzaste a pintar? ¿Qué te motivó a ello?

R- Si bien no siempre he tenido confianza en expresarme con palabras u organizar mis pensamientos verbalmente, siempre he sido creativa y siempre he sentido la necesidad de expresarme y tratar de dar sentido a las cosas que no entendía usando cualquier medio disponible. Recuerdo que tenía unos 10 años cuando pensé por primera vez que quería ser artista. A los 15 fui a la escuela de arte donde me especialicé principalmente en textiles durante 5 años, antes de pasar a estudiar pintura en la universidad durante 5 años más.

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P- ¿Utilizas la pintura para expresar tus emociones y sentimientos?

R- ¡Sí, mucho! Utilizo el arte para expresar mi monólogo interno, con el color y la textura representando las emociones y su dinámica. Pienso en ello casi como un proceso interactivo, en el que el estado emocional del espectador es iniciado por los colores y luego guiado por la textura y los patrones.

P- Has vivido en diferentes países como Polonia, Inglaterra, Suiza, España ¿El cambio de lugares ha provocado una variación en tu estilo de pintar? ¿Cuáles han sido?

R- Sin duda, cada lugar ha dejado su huella en mi arte.
Mientras estudiaba para mi maestría en Polonia, la intensidad de ese período de mi vida fue muy influyente y tuvo un profundo impacto en la naturaleza de mi trabajo figurativo, lo que me llevó a buscar formas de representar mi tumultuoso mundo interior. Me fascinó buscar formas de expresar la dinámica y la gama de emociones que estaba experimentando durante ese período de transición final a la edad adulta y el estilo que desarrollé durante ese tiempo ha persistido en mis pinturas figurativas actuales.
Aunque viví en Cambridge y cerca de ella durante años, visitar a mi familia en el campo del suroeste de Inglaterra, de donde era originario mi esposo, fue lo que más me impactó. El paisaje costero me llevó a empezar a pintar paisajes marinos y despertó mi imaginación artística como nada hubiera hecho en años y comencé a explorar formas de capturar las colinas, las nubes y la luz de la costa jurásica de Inglaterra. El sentido suizo del minimalismo lujoso tuvo un efecto sutil pero profundo en mi forma de ver el arte. Fue allí donde realmente comencé a introducir una sensación más abstracta en mi trabajo de paisaje. No fue hasta 2016, un año después de mudarme a una urbanización en las afueras de Aranjuez, que comencé a explorar realmente el uso del pan de oro como un componente habitual en mi trabajo. Comenzó como una necesidad de representar la intensidad y la fenomenal luminosidad del sol de Madrid, pero también se convirtió en una forma de expresar la iluminación y el despertar interior en mis figurativos.

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P- ¿Tienes un estilo propio?

R- Sí, ¡pero también disfruto variando un poco! A lo largo de los años he desarrollado muchas de mis propias técnicas y formas de combinar los medios, lo que a su vez ha guiado el desarrollo de mi propio estilo. Más allá de eso, también tengo ciertas formas y composiciones que reviso con regularidad. En general, me consideraría un artista expresionista abstracto, sin embargo, hay momentos en los que disfruto trabajar de una manera más impresionista y otros en los que me encanta incluir un poco de surrealismo geométrico.

P- Eres una artista de medios mixtos ¿Qué tipo de técnicas utilizas? ¿Qué herramientas utilizas?

R- De vez en cuando utilizo pinturas al óleo, pero la mayoría de las veces uso acrílicos, acuarelas, pasteles y pan de oro en varias combinaciones. Estoy continuamente fascinado con sus interacciones entre ellos y cómo cada uno aporta una calidad única a una pintura. En cuanto a herramientas, ¡utilizo un poco de todo! A veces, quitar la pintura de un lienzo es tan importante como ponérselo y, además de la colección habitual de pinceles y espátulas, tengo una selección de otras herramientas, palos, peines, esponjas, etc., para raspar, cepillar y, en general, empujar la pintura dentro, fuera y alrededor del lienzo.

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P- Te encanta viajar, ¿podríamos decir que los viajes te inspiran para pintar?

R- ¡Absolutamente! ¡Mi trabajo de paisaje se basa en fotos de lugares en los que he estado! Solía ser que también pintaba paisajes un poco más de ensueño, imágenes abstractas de donde soñaba estar, basadas en lugares en los que había estado antes, sin embargo, ahora que vivo permanentemente en Asturias con su enorme variedad de climas y terrenos, generalmente pinto mi paisaje local, en particular las vistas de la costa desde mi casa y el paseo cercano.

P- Has participado en numerosas exposiciones en países como Inglaterra, Suiza, España… ¿Dónde sería tu sueño exponer la próxima vez?

R- Iba a tener una exposición individual en Madrid en mayo de 2020, pero fue cancelada debido a la situación del Covid, así que es una que me gustaría mucho hacer todavía, y me gustaría algún día tener una exposición en mi Polonia natal. Más allá de eso, me encantaría encontrar una representación de galería permanente aquí en España, particularmente para mi trabajo figurativo.

P- ¿Qué proyectos tienes en mente para un futuro?

R- Bueno, muchas de mis series de pinturas se dividen a medida que se envían a varios coleccionistas y galerías de todo el mundo, así que quería encontrar una manera de mostrarlas todas juntas en un solo espacio. Para aquellos que se sienten cómodos viendo arte en línea, debido a la pandemia actual de Covid, estoy en el proceso de configurar un par de exhibiciones virtuales en 3D para llamar la atención sobre aspectos particulares de mis portafolios figurativos y de paisajes que pueden ser difíciles de ver fuera del contexto de una galería. Me gustaría encontrar el tiempo para trabajar más en el desarrollo de mis figurativos y he comenzado una nueva serie de figuras muy abstractas que comienzan a complacer más mi amor por los textiles, pero es un proyecto a largo plazo con mucha experimentación y exploración para hacer, por lo general en los minutos que pueda agarrar cuando los niños se han ido a la cama por la noche.

P- Explícanos cómo es tu proceso de trabajo: desde el inicio de una obra hasta que la das por terminada.

R- El proceso es diferente para figurativos y paisajes.
Los paisajes se inspiran no solo en lo que veo, sino también en lo que siento por una vista en particular.
Cuando veo un paisaje que captura un estado de ánimo o efecto particularmente interesante, siempre trato de tomarle una foto para usarla como base, no necesariamente de inmediato, pero tal vez en el futuro. A menudo tengo una idea para un cuadro mientras hago otra cosa y cuando vuelvo a mi estudio reviso mi biblioteca de fotos y trato de encontrar una foto o dos que capturen una idea de lo que soy tratando de proyectar.
Normalmente, trabajo en dos lienzos al mismo tiempo para permitirme intercambiar ideas entre ellos, ya que a menudo noto una forma o patrón interesante en uno que desearé ampliar en el otro. Por lo general, los esbozo directamente en el lienzo, ya sea en colores pastel o en pintura, y de ahí en adelante no hay un patrón en particular. Empiezo con los bloques de colores más grandes antes de agregar capas de detalles crecientes, mezclando pasteles y acuarelas con las capas de pan de oro. Los puntos de anclaje finales, más realistas, llegan al final.
Los figurativos se inspiran en los estados de ánimo y, como tienden a ser un poco más complicados que los paisajes, normalmente trabajo primero en una serie de bocetos preliminares antes de trasladar la serie al lienzo. No trabajo en figurativos con tanta regularidad como en paisajes, pero me gusta trabajar en al menos dos piezas al mismo tiempo. Por lo general, tengo algo en mi mente cuando comienzo cada pieza, pero con el tiempo los elementos de las figuras, tal vez una cabeza o una mano o un brazo, pueden girar y moverse a medida que comienzo a ver la figura evolucionar y crecer. Al igual que con los paisajes, mis piezas figurativas se construyen en capas pero en cada capa intento capturar un ligero movimiento para que al final del cuadro, todas las capas se combinen para registrar la historia y evolución del personaje central de la pieza. No estoy realmente interesado en representar las proporciones precisas o describir con precisión la anatomía física, aunque casi siempre incluiré uno o dos elementos mucho más detallados para proporcionar una base física. Me interesa capturar la dinámica y la emoción de la figura y la sensación de lo que están sintiendo.

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P- Tus obras están basadas en la naturaleza y en la figura femenina ¿A qué se debe esto?¿Te gustaría experimentar con otro tipo de temas?

R- La naturaleza siempre ha sido mi principal fuente de inspiración y regularmente me reto a pintar otros temas, ¡aunque no siempre comparto los resultados! Mi portafolio pasado incluye muchos nenúfares, flores y abstractos inspirados en el mundo natural. Como artista en activo, siento que es importante y necesario tener variación en lo que me enfoco para descubrir nuevas técnicas y formas de representar las cosas, así que incluso si finalmente decido que una pintura no se publicará, casi siempre aprenderé o descubra algo durante su creación que será llevado a una pieza posterior.

P- En tus obras de paisajes naturales, hay un papel importante del agua ¿Qué significado tiene el agua para ti?

R- ¡Flujo y energía! Sí, el agua tiene un lugar fundamental en mi trabajo. Crecí junto a una serie de lagos y
estanques en Polonia y siempre me ha parecido reconfortante y revitalizante estar cerca, pero más allá de eso, el agua es fundamental para nuestra supervivencia, sin ella no tenemos vida. Me encanta explorar formas de presentar el agua en mi arte y estoy constantemente buscando y refinando técnicas para representar la profundidad, la reflexión y el cambio continuo.

P- También observamos que en tu obra predominan los colores azul y verde¿qué es lo que quieres transmitir con ellos?

R- Siempre me ha atraído el color y siempre he encontrado comodidad en esos colores en particular, por lo que mucho es instintivo. Mi uso del turquesa se inspiró en gran medida en los viajes de campamento junto al río Alto Tajo, en las montañas remotas del centro de España. El color vivo del agua fresca y clara, los reflejos de los árboles en la sombra y la sensación de vitalidad y vida que contrastaba con la paleta árida y siena de las llanuras de Madrid y Toledo en verano tuvieron un efecto permanente en mí y los verdes y azules no persistieron. No solo en mi arte, pero también en mis sueños de vivir en un lugar que pudiera ofrecer esa misma sensación de vitalidad. Después, en 2018, me mudé a Asturias, donde estaba completamente ocupada tratando de capturar solo una fracción de la belleza del paisaje salvajemente variable y estaba rodeada de azules y verdes.

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P- Si tuvieras que elegir entre tus obras paisajísticas y las obras de figuras femeninas, ¿cuáles elegirías?

R- Si solo me permitieran elegir un tema para pintar para el resto de mi vida, probablemente serían figurativos ya que nunca me canso de trabajar en ellos, en realidad los veo como complementarios entre sí y ambos son aspectos necesarios de mi práctica artística. Independientemente de lo que haya pintado, después de un tiempo necesito tomarme un descanso y la diferencia entre los dos temas es lo suficientemente grande como para que el cambio sirva para refrescar mi inspiración y motivación.

P- ¿Cuál de tus obras te hace sentir más orgullosa?  ¿Y tu preferida?

R- De mis figurativos, hay una pieza de la que estoy particularmente orgullosa llamada “Sleeping Beauty” (La Bella Durmiente) que pinté en 2004. Viajó conmigo desde Polonia a Inglaterra, Suiza y finalmente a España antes de venderla en una subasta en Barcelona en 2016. También me encanta la serie “Continuity” (Continuidad) de este año (ahora en manos de galerías de Londres y el Algarve) porque sentí que capturaron algo elemental sobre nuestra existencia. De mis paisajes, la pareja “Driftwood” (Madera Flotante) fue particularmente importante para mí, ya que representan una transición hacia la abstracción que durante un tiempo no estaba segura de poder lograr. La serie explora la noción de conexiones abstractas con amigos lejanos, lugares y familiares a medida que nos empujan y arrastran a través de las diversas corrientes de nuestras vidas, fracturados, curados y pulidos por nuestros viajes e interacciones con las culturas en las que vivimos.

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