“Si dejas de evolucionar, pasas de pintar series de cuadros a pintar cuadros en serie”

Orrite protagoniza nuestra exposición individual en la Galería NB7 de Madrid (calle Núñez de Balboa, 7), compuesta por una colección de viente cuadros (muchos de ellos nuevos) de gran calidad. Podéis visitarla hasta el 15 de julio. El momento no puede ser mejor para ahondar en la figura de este joven artista que nos encanta y que muchos relacionan con la obra de Hopper.

Orrite comenzó a pintar a los 12 años. Ya en ese momento muchos sabían que tenía dentro un arte que podría llegar a brillar y mucho. Y aunque estudió ciencias puras e informática, su pasión fue siempre la pintura. Diría que su estilo es realista (aunque no le gusta llamarlo así), pero sus influencias van de Guillermo Oyagüez a Toulouse-Lautrec. En sus pinturas destacan de un modo sobresaliente dos aspectos que lo han definido desde el principio: la calma y el vacío. Y aunque lo comparan con Edward Hopper, confiesa que no lo conocía hasta que su profesor lo empezó a llamar así.

 

  • ¿En qué momento decides dedicarte al arte?

Estudié ciencias puras e hice la ingeniería de informática, la técnica, pero cuando terminé me di cuenta de que eso no me llenaba. A mí lo que me gustaba era pintar y ése fue el momento más importante, en el que decidí que mi camino era ir por el arte, no ir por otro sitio. Es un cambio importante y en ese momento tienes que ir a por todas, no puedes volver atrás. Y me formé en Bellas Artes.

  • Es decir, que acabaste la carrera y dijiste, “no voy a trabajar de esto…”

Sí, no me veía toda la vida en una oficina programando.

  • ¿Cuándo empiezas a pintar?

Empecé a pintar desde pequeño. Me gustaba mucho y en el colegio animaron a mis padres a que me apuntase a alguna academia, veían que tenía algo… y ahí fue el momento en el que empecé a pintar, con 12 años aproximadamente.

  • ¿Cómo describirías tu estilo y en qué momento crees que se consolida?

Si tuviese que encasillarlo en un movimiento o en un estilo diría que es realismo. A mí no me gusta llamarlo así. Para mí, a la hora de enfrentarme a un cuadro, lo más importante es la luz de la escena y es lo que trato de conseguir con mayor fervor. También tengo mucho cuidado con la composición y con otros aspectos técnicos como la dirección de la pincelada, el reparto de la pintura, las veladuras…

En cuanto a consolidarse, pues, espero que no esté consolidado y que tarde mucho en hacerlo. Creo que el estilo de un artista tiene que estar evolucionando continuamente, porque si llega a su tope deja de evolucionar y pasas de pintar series de cuadros a pintar cuadros en serie y al final eso no es bonito. Otra cosa es tu impronta, tu mano. Eso sale cuando entiendes que la realidad no hay que copiarla, sino interpretarla, ahí entra en juego tu forma de entender la pintura, tu abstracción. Y al final ése es el hilo conductor de tu pintura, la que hace que sea identificada. Para copiar la realidad ya está la fotografía.

  • Hay dos cuadros que nos llaman especialmente la atención de tu obra: “Otoño” y “Riachuelo Dorado”. Además “Otoño” es de 2018, de hace poco, con lo que parece que estás experimentando con una técnica más abstracta…

Al final la figuración muchas veces te lleva a ceñirte demasiado al dibujo. La naturaleza te da más libertad y eso es algo que quiero mejorar y evolucionar en la pintura de objetos. Como por ejemplo un edificio, una casa, que acabe siendo algo más suelto de lo que estoy realmente.

  • ¿Qué es lo que te mueve a pintar estas escenas?

Hay dos cosas fundamentales: la calma y el vacío. En cuanto a la calma, vivimos en un mundo en el que todo el mundo va corriendo, vivimos frenéticamente, nadie tiene tiempo para nada. Y hay momentos que tomamos para nosotros mismos, bajamos las revoluciones… por ejemplo, esperando al metro te tomas tu tiempo para pensar en tu vida, en tus historias. Luego está el vacío, la incertidumbre, el misterio, la poesía que tiene la noche, la soledad…

  • Parece que tus cuadros más grandes son los que reflejan el vacío y los más pequeños la calma…

Pues no me había fijado (risas). Por ejemplo, aquí, una persona sola en plena noche, qué incertidumbre, ¿no? El bar está abierto, no hay nadie, solamente esa persona mirando al vacío.

  • ¿Siempre has utilizado la misma técnica?

He utilizado otras técnicas, he aprendido muchas, pero en la que me siento más a gusto y puedo conseguir expresar lo que yo quiero es al óleo.

  • ¿Qué otras técnicas has utilizado?

Hago de vez en cuando bocetos en acuarela y he aprendido otras técnicas de dibujo o de grabado. También he hecho escultura, pero conozco a grandes escultores y me da reparo meterme con ello por respeto (risas).

  • ¿Cuáles son tus referencias artísticas? ¿Alguna de ellas te inspiró para crear tu propio mundo?

Mi principal referente es Guillermo Oyagüez y si sé algo de pintura es gracias a él. Para mí es uno de los grandes pintores de este país. También me han influido bastante los interiores de Vermeer y los postimpresionistas me fascinan, artistas como Toulouse-Lautrec, Van Gogh… Especialmente Lautrec me encanta.

Y luego, la gente se sorprendería si no nombro a Hopper. Todo el mundo me dice que mi obra le recuerda a Hopper, pero realmente tampoco es una de mis principales referencias. Yo entiendo que la gente lo identifique porque al final hay algo en estas casas que siempre se han asociado a él y, aunque las mías sean del norte de Europa y las suyas de EE.UU., tienen un cierto parecido y la gente en soledad pues también se asocia mucho a Hopper. Pero antes de conocer su obra, un profesor me empezó a llamar Hopper, tal y como dibujaba y pintaba le recordaba a él y, a partir de ahí conocí su obra. Pero no es por eso por lo que me parezco.

  • Quizás coincidís más en los conceptos que queréis transmitir, y es algo que os ha llevado al mismo camino

Sí, muchas veces, al final puede que esa coincidencia de conceptos lleve a esa similitud.

Entrevista realizada por Clara Nolla Aikin

 

Visita INHERENCIA, la exposición de Orrite:

Galería NB7

Núñez de Balboa, 7

Madrid

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www.flecha.es

 

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